viernes, 11 de abril de 2008

Ozzie


Nunca se sabe de donde puede venir la fuente de inspiración. En este caso vino de un cómic llamado "Mutts" y de las aventuras de sus progatonistas: un perro y un gato que simplemente tratan de entender la vida.


De sus pequeñas tiras cargadas de humor, nació Ozzie (cuyo nombre coincide con el del dueño de Earl - el perro del cómic - ), un simpático perro al que, por supuesto, le pasan cosas de perro.


Un proyecto muy ambicioso y que comportó muchísimas horas delante del ordenador y trasteando el 3D Studio MAX pero que finalmente dió los frutos que esperábamos.


Watch it here!

http://www.youtube.com/watch?v=XE7jxH-WB64


"Quatre quarts"


Fragment de l'adaptació cinematogràfica del conte "Quatre quarts" de Quim Monzó.

SEQ.1. EXTERIOR. CARRER – DIA

Veiem imatges de la ciutat de Barcelona. Una successió de plans curts ens mostra una gentada a les Rambles, un pas de zebra molt transitat, uns japonesos fent-se fotos, una parella jove alimentant els coloms, un executiu parant i pujant a un taxi, un home vell fent footing, uns nois joves anant en monopatí. Totes aquestes imatges van acompanyades de la veu de l’HILARI.


HILARI (EN OFF)

Diu el diccionari que és puntual qui fa una cosa exactament en el moment assenyalat. Això vol dir que, si tens una cita a les set, ets puntual si et presentes a les set. Fins aquí, tot clar. El que ja no queda tan clar és com definir qui, havent quedat citat a les set, a les sis ja volta pels carrers de a prop del lloc de trobada, i a dos quarts de set s’atura al costat del quiosc, que és el lloc acordat.


Veiem un quiosc farcit de revistes, diaris, periòdics, suplements i fascicles. L’Hilari arriba al quiosc i s’atura al costat. Es mira el rellotge. És un noi d’uns 24 anys, amb cara simpàtica i barba de dos dies que li dóna un aire desenfadat. Va vestit amb unes VAN’S, uns texans i una jaqueta de pell marró. Mira al seu voltant. Esbufega. Comença a llegir les portades de les revistes i dels llibres que hi ha als aparadors laterals del quiosc. Tota aquesta acció segueix acompanyada per la seva veu en off.


HILARI (EN OFF)

El tal individu, que és puntual (és al lloc exactament en el moment assenyalat) i impuntual alhora (hi era també abans d’hora, és a dir, no exactament en el moment assenyalat), sóc, en aquest cas, jo, que continuo sense saber com definir aquesta impuntual puntualitat que arrossego des de petit, per a desgràcia meva i sorpresa de les persones amb qui em cito, que acostumen a ser obsessivament impuntuals.


Quan l’Hilari ja ha llegit totes les portades dels aparadors laterals, s’acosta a la part frontal del quiosc i comença a llegir els titulars dels diaris que s’amunteguen.


QUIOSQUER

(amb grosseria)

Ei, tu! Que això no és una biblioteca.


HILARI

(nerviós)

Ho sento! Perdona! Es que... És igual. Cobra’m aquest.


L’Hilari agafa un dels diaris i el paga. Es posa a un costat del quiosc i el comença a llegir.


TALL A:

Veiem a l’Hilari llegint la contra i quan acaba, doblega el diari i el llença a la paperera més propera. La veu en off acompanya també a aquesta acció.


HILARI (EN OFF)

Quan ja et sents desesperat, són les set i, en realitat, no hi ha cap raó per sentir-te cansat d’esperar, ja que l’espera encara no ha començat. Ara hauries d’arribar al lloc acordat, i no fa mitja hora.


TALL A:

Veiem la representació de l’escena anterior (L’Hilari al costat del quiosc) en dibuixos animats de l’estil d’un nen petit, amb tot mal dibuixat i les persones fetes amb palets.


HILARI (EN OFF)

Ser impuntual pot voler dir quedar a les set i presentar-se a les set i un minut...


Apareix una noia també de dibuixos animats i un TÍTOL on diu: 7.01 PM


HILARI (EN OFF) (CONT.)

...o a les set i cinc minuts, o a un quart de vuit, o a dos quarts de vuit, o a les nou, o a les deu.


Mentre va fent aquesta enumeració, van apareixent i desapareixent TÍTOLS amb l’hora que diu a cada moment.


HILARI (EN OFF) (CONT.)

Molts impuntuals ho són perquè gaudeixen fent-se esperar. Si, finalment, la persona amb qui et cites acaba per no presentar-se, aleshores deixa automàticament de ser impuntual per convertir-se en un, o una, galtes.


La noia de dibuixos animats desapareix i l’Hilari de dibuixos posa una cara trista. Comença a caminar d’una banda a l’altra per davant del quiosc.


HILARI (EN OFF) (CONT.)

Si, sortosament, coneixeu els costums de qui espereu, podeu classificar-lo en la categoria escaient. Si no li coneixeu els hàbits, el risc i l’aventura apareixen i, ben probablement, us convertireu durant una llarga estona en un maniquí que es repenja en murs i fanals, maquinant delicioses venjances i classificant, per diversió, tots els tipus de puntual i impuntual que existeixen.


TALL A:

Tornem a l’escena real on l’Hilari està dret amb les mans a les butxaques, al costat del quiosc. S’ha fet més fosc i el munt de diaris ha baixat.


HILARI (EN OFF)

Aquest és el meu cas: desconec completament els hàbits de la noia que espero. Sempre l’he vist a la sortida de la central nuclear, que és on treballem els dos. La conec d’allà.


QUIOSQUER

Noi, m’has comprat ja dos diaris. Fa un hora que voltes pel meu quiosc. O estàs esperant per atracar-me o t’han deixat plantat...


HILARI

Potser... m’he confós amb l’hora. Potser havíem quedat a les vuit i no a les set... O potser havíem quedat a un altre lloc i ella porta esperant-me una hora també. Potser ha sigut ella la que va entendre malament el lloc o l’hora.


El quiosquer el mira amb incredulitat.


HILARI

Potser li ha passat alguna cosa... Potser està atrapada en un embús... Ai no, espera, que ella no té cotxe... però potser hi ha problemes al metro, potser hi ha hagut un accident... o qualsevol cosa... no té perquè haver-li passat res a ella. Potser han atropellat la seva mare, o el seu pare ha caigut pel forat de l’ascensor, o han detingut el seu germà petit... bueno, no sé si en té de germans...


QUIOSQUER

(interrompent-lo)

Ep! Ep! Ep! Para! Para!... O potser s’ha fet enrere i ha decidit no venir...


HILARI

Seria una putada perquè he aspirat el menjador i tinc xampany refredant-se a la nevera. Ja saps...


QUIOSQUER

Noi, fes el que vulguis. Però jo crec que no vindrà.


HILARI

No em rendiré tan aviat... Segur que marxo i apareix de seguida. Segur que té una bona excusa.

Menjar cec


Vam citar-nos cap a les onze de la nit al mirador de Vallvidrera per jugar a un joc al que no havíem jugat mai. Des d’allà dalt veiem tota la ciutat de Barcelona. Hi havia molt poca llum, motiu pel qual vam fer servir els fars del cotxe per veure’ns-hi. Ràpidament vam preparar tot allò que necessitàvem: una cadira d’esquenes a la ciutat i una tauleta ben parada. El joc consistia a seure amb els ulls embenats, d’un en un, i tastar diversos aliments i begudes que els altres havien preparat. Cada plat tenia un número (de l’u al tres) i qui passava la prova havia d’escollir, a l’atzar, un menjar, una beguda, i un tercer àpat de qualsevol de les dues categories. La gràcia de tot recau en què només un aliment i una beguda eren agradables al gust, i la resta eren mescles estranyes o fastigoses. Mentre un esperava sense veure res, la resta ‘preparaven el sopar’ amb els ingredients que havíem portat de casa.


LA MEVA EXPERIÈNCIA


Tot i les ganes que tenia de començar a jugar la primera, l’atzar va voler que fos l'última. Així, una barreja de nervis i d’ànsies d’asseure’m a la cadira em removia per dins. Però l’espera no va ser llarga, ja que veure l’experiència dels meus companys va ser d’allò més divertit.


Quan per fi va ser el meu torn i em vaig veure amb els ulls embenats, la sensació de nervis es va convertir en intriga. Tot el que podia percebre eren sorolls de líquids omplint gots, culleres removent i gemecs de fàstic dels meus companys. Potser allò era el pitjor de tot: ells estaven veient alguna cosa fastigosa i jo no només desconeixia què era, sinó que, a més, era la víctima que havia de menjar-s’ho. Vaig sentir una frase que em va fer por: “Guille, porta el plat estrella”. Havia de ser alguna cosa realment fastigosa i estava segura que em tocaria.


Sorprenentment, vaig tenir sort. Em van tocar tant el menjar com la beguda bones. Primer, una galeta integral de xocolata. Tot i així, fins i tot la xocolata (un dels meus plaers) em va resultar desconcertant. Resulta realment curiós com la vista influeix al nostre paladar, ja que, en no tenir consciència de què tens a la boca, tot et fa fàstic. A més, la textura tant pastosa i seca de la galeta em va fer pensar que potser havien barrejat la xocolata amb alguna porqueria indesitjable. El segon cop de sort el vaig tenir amb el suc de préssec. Això sí que em va resultar agradable, ja que el suc de préssec és una de les meves begudes preferides. Amb un glop en vaig tenir prou per reconèixer-lo i sentir-me alleugerida. No obstant, he de confessar que no em va agradar que em toquessin els dos plats bons. Volia jugar, volia risc i emoció. Volia que em toqués el més fastigós de tot. Si només menjava coses bones, tot plegat no tenia gràcia.


Però va arribar el moment d’escollir la tercera opció. Em vaig mullar i vaig triar un menjar, ja que tots els altres havien escollit beguda com a tercer plat. Quan vaig tenir “allò” a la boca, me’n vaig penedir. Tampoc vaig trigar a reconèixer allò que m’estava menjant: es tractava de fetge o de ronyons. Res pitjor podia tenir aquell sabor tant desagradable. Tant l’un com l’altre són plats als que realment tinc repulsió i aversió. No podia empassar-me’ls. Em van venir arcades. Vaig necessitar beure més suc de préssec per poder atenuar una mica aquell sabor tant abominable.


Un cop amb la boca buida, acabava el meu torn. Tot i l’estona tant dolenta dels ronyons, l’experiència va ser realment interessant i entretinguda. Amb l’exaltació del moment, no vaig sentir ni tan sols el fred, ni em vaig preocupar de la resta de gent que hi havia al mirador i que devien d’estar mirant-nos amb cara d’estranyats.


Mar de xocolata


Aquesta obra em cridà l’atenció i em semblà molt notòria en comparació amb les altres especialment pel material amb que està feta: xocolata i paper mecanografiat. No només per ser dos materials poc convencionals en la creació d’una obra sinó per l’oposició de móns que presenten, ja que el text representa la raó, intel·ligència, cultura... mentre que la xocolata el plaer, el lleure, el pecat...


Només aquests dos materials composen l’escultura: unces de xocolata Lindt que simulen una ciutat i tires de paper amb frases en alemany entre aquestes. Aquestes tires pertanyen a un llibre que l’autor va escriure però que finalment no va publicar i el seu destí acabà sent aquesta composició.


La xocolata està descomponent-se i ja presenta símptomes del pas del temps, però és això precisament el que volia Dieter Roth. Per a ell, l’obra no havia de ser eterna sinó que havia de desaparèixer amb el pas del temps, com farà aquesta. És una obra canviant a llarg termini perquè si l’observes cada dia no notaràs les diferències però en fer-ho cada cert temps, apreciaràs la seva evolució i volubilitat. És una obra dinàmica, efímera i que es fa ella mateixa. Un element molt important és l’atzar. És qui domina l’obra, qui determina la següent peça que caurà.


L’escultura et presenta interrogants, dubtes. No només sobre què simbolitza sinó què diu a les tires de paper. És una obra que per comprendre-la en la seva totalitat t’obliga a entendre l’alemany. Tot i així per captar la sensació que vol transmetre tampoc no és obligatori: no són més que paraules, tan se val el que diguin. Mostra una ciutat desolada per la guerra per tant, les paraules son els crits de la gent, les seves pregàries, les seves opinions. Simbolitza també que tot i la guerra, la ciutat continua plena de gent que va sobrevivint com pot al pas del temps, però tot amb un tint nihilista i de decadència.


El paper de l’espectador és molt important per tant, ja que l’obra està plena de significats simbòlics i en clau, i l’espectador ha de fer un anàlisi del context o dels possibles camins interpretatius, per desxifrar el que vol dir.

Technologic

T

Torno de la universitat a casa escoltant al mp4 l’últim CD que em vaig baixar ahir. Arribo a casa. Li envio un sms a una amiga. Vaig a l’ordinador (que porta engegat tota la nit descarregant pel·lícules) i actualitzo el fotolog. Ja estic llesta per fer la feina. ¿Que toca avui? El comentari sobre l’article de La Vanguardia.


Quina és la meva sorpresa quan m’adono que en llegir l’article, estan fent una descripció del meu món, de l’entorn on em relaciono, de la meva vida. Però tampoc és cap sorpresa el que diu, és una cosa evident, que caracteritza la societat d’avui en dia. Els joves som dependents de les noves tecnologies i les necessitem per la nostra forma de comunicar-nos.


Sí que sembla paradoxal el fet de “tancar-nos a la nostra habitació per obrir-nos al món”. De fet, la millor forma d’obrir-se al món, d’arribar més lluny en menys temps i amb menys recursos, és aquesta: no sortint de casa. Avui dia quan socialitzem amb més persones alhora, és justament quan estem sols, davant de la pantalla de l’ordinador. Però em penso que tot és per una qüestió de temps. No hi ha suficient amb 24 hores al dia per fet tot el que hem de fer: anar a la feina o a estudiar, menjar, dedicar un temps a la higiene personal, comprar, treure el gos... així que el més ràpid és comunicar-se des de casa, sigui l’hora que sigui, prems el botó “iniciar sessió” i sempre trobaràs algú amb qui petar la xerradeta. Avantatges de l’era digital.


També per una qüestió d’eficàcia: si has de quedar amb els amics el més ràpid es enviar un sms, o el més econòmic, enviar un e-mail.


Tot i la frivolitat d’aquest tipus de comunicació, ja que només parles amb botons, tecles, píxels i caràcters, els joves ens encarreguem d’humanitzar el procés i acostumem a mostrar més obertament els sentiments que a les relacions en persona.


Un procés que les generacions per sobre nostre no acaben de veure del tot com una cosa positiva. Es queixen del temps que passem “enganxats” a les màquines, perquè ells potser només veuen això: el seu fill que passa moltes hores davant d’un aparell. Però darrera hi ha molt més: també es transmeten sentiments, es discuteix, un s’enamora, riu, plora... és una comunicació dinàmica, activa. L’essència és la mateixa, només canvien les formes, perquè també han canviat les formes de vida. Tot va lligat.


I com tot, no es pot portar als extrems. No pots tampoc dependre de la màquina. Ha de ser només una eina. Utilitzar-la quan no és possible un altre tipus de comunicació però no ha de ser l’única opció. No hem de perdre el contacte entre les persones i arribar a una deslocalització on s’arribaria a un “sense-lloc”. En el sentit que si tothom es relaciones des de casa a través de les noves tecnologies i d’Internet, seria el mateix parlar amb una persona que estigués a la Xina com amb un veí del pis del costat. Arribaríem a un punt on el lloc físic no tindria valor perquè des de la teva habitació podries arribar a qualsevol part del món. És a dir, una globalització tan gran arribaria a una contradicció: tanta deslocalització culminaria en una localització màxima: un globus que ho avarca tot.


Per això s’han d’evitar casos radicals on la dependència amb la màquina passa a ser un problema. Casos (potser menys anecdòtics del que pensem) on dos germans situats en un mateix pis però en diferents habitacions que parlen pel Messenger; gent amb problemes de personalitat a causa de la seva addicció a jocs de roll, etc.


Un altre problema és la desconfiança o la poca fiabilitat. És tan fàcil accedir a la informació com penjar-la. Així, que no ens hem de fiar de tot el que veiem escrit. No tot prové de les fons adequades, no tot és cert, no tot és correcte i tampoc tot és mentida. És molt corrent trobar professors que rebutgin que a les bibliografies dels treballs escolars només apareguin pàgines web. Però tampoc ningú ens ha ensenyat a triar, seleccionar i analitzar la informació. En aquest sentit, diu molt bé l’article que s’hauria d’acceptar que les noves tecnologies són una realitat, són la nostra realitat, i adaptar-nos a les necessitats que comporten. La tradicional assignatura “informàtica” que abans es limitava a ensenyar l’ús de l’ordinador i Internet, es queda ja obsoleta. Els nens d’avui en dia això ja ho saben perquè des de petits ho tenen a l’abast ja sigui pel seu germà, pels pares o per un amic una mica més espavilat. Aquesta assignatura penso que s’hauria de reformar i enfocar-la més en aquest sentit d’ajudar a “sobreviure” a Internet. Tothom el sap utilitzar. Ara ens han d’ensenyar a utilitzar-lo bé: com triar la informació, com fer una pàgina web, com no deixar-nos estafar...


En quant al telèfon mòbil, s’ha convertit quasi en una extensió del nostre cos. És una marca de la nostra personalitat: el color, el fons de pantalla, la melodia... tot s’identifica amb nosaltres. El telèfon ja no es relaciona amb un lloc o una llar, sinó amb una persona en concret. És una de les comunicacions més directes. Amb les seves conseqüències positives i negatives. La part bona seria que pots contactar amb qui vols a l’instant pitjant simplement un botó. La part dolenta seria que si volem “ignorar” algú, l’altre s’adona a l’instant que estem passant d’ell.


La major part de culpa que cada cop el nens tinguin un mòbil des de més petits són els pares: és una forma de tenir-los controlats i saber on estan a cada moment. Però per altra banda, no s’adonen que és una forma de descontrolar-los: s’introdueixen al món dels sms, on els pares ja no hi tenen accés o potser hi tenen però no entenen. Un univers que engloba un nou llenguatge sorgit de la necessitat d’expressar-se limitat a 240 caràcters o amb la major rapidesa. Molta gent critica que amb això ens estem carregant el llenguatge però és qüestió d’utilitzar cada cosa al seu lloc. Escriure bé on toca i escriure escurçant on és necessari per a l’ús comunicatiu. Ens hem d’adaptar a les necessitats de cada tipus de comunicació.


Som fills d’una nova forma de comunicació i de cultura: la digital. És evident que no podem lluitar contra ella i que els seus avantatges són infinits, així que només ens queda adaptar-nos-hi.

Un futuro mejor


En el año 2046 no sólo habrá avanzado la tecnología y se habrán descubierto nuevos inventos.
Además, volverá la moda de los 60. Y las personas ya nos seremos individuos libres y autónomos, seremos marionetas de nuestro propio circo, seremos actores de nuestra propia película.

Pero como en toda grabación, se puede rebobinar y volver a empezar.


Corpse Bride: Una historia de cuento


Como primer antecedente o como raíz más directa de la obra, encontramos un cuento popular ruso en el que se inspiró Tim Burton para desarrollar la trama de la película. Se trata de una pequeña historia de terror que se contaba a los niños antes de ir a dormir. Pero este cuento ruso, tampoco contiene una historia nueva sino que sus orígenes se remontan a otro cuento anterior del rabino Isaac Luria de Safed (ciudad al norte de Israel), el pensador más profundo del misticismo judío. En el cuento tradicional de Isaac Luria llamado “El dedo”, la novia cadáver no es un cadáver propiamente, sino un demonio.

La versión rusa que inspiró a Burton, data del siglo XIX y está relacionada también con la religión judía: una mujer es asesinada el día de su boda y enterrada con el traje de novia. Más tarde, un hombre que va de camino a su propia boda, ve salir del suelo lo que él piensa que es una rama y de broma, pone el anillo de su prometida en él y baila a su alrededor un baile tradicional mientras recita los votos. Inmediatamente, descubre que lo que parecía un palo no es tal, sino el dedo de la mujer muerta que emerge del suelo declarando la unión matrimonial que se acaba de producir. El hombre sale corriendo del bosque y acude a la ciudad, perseguido por el cadáver. La historia acaba con la anulación de este matrimonio a manos de un rabino judío y con la promesa de la novia viva -con la que se iba a casar el hombre que iba camino de su boda- de que vivirá su matrimonio en memoria de la esposa fallecida. Esta actitud y promesa final, está relacionada con la tradición judía de hacer honor a los muertos a través de las buenas obras de los vivos.

Esta versión rusa se inspira no sólo en la historia de Isaac Luria, sino también en las cruzadas anti-judías que se hacían en el Imperio Ruso del siglo XIX donde se secuestraba a las mujeres jóvenes que iban camino de su boda y se las mataba, enterrándolas con su vestido de novia.

Pero Burton no es el primero en utilizar el folklore ruso como materia prima para la creación, ya que Prosper Mérimée, un dramaturgo francés del siglo XIX, utilizó el tema que por aquella época era de latente vigencia en su obra La Vénus d’Ille (1837), un cuento de terror fantástico con la diferencia de que en su historia, la novia cadáver es sustituida por una estatua de Venus que cobra vida.

Sin embargo, el tema alegórico de las dos novias, una viva y la otra muerta, no sólo se remonta al folklore ruso y judío. También encuentra su ligazón con la espiritualidad cristiana y monástica del siglo IV y está relacionado con los diferentes significados de la palabra inglesa “love”. Este vocablo corresponde a dos acepciones latinas como son “caritas” y “amor”. El primero, caritas, corresponde a la voluntad de buscar siempre lo bueno del prójimo. El segundo, amor, se refiere a la atracción pasional y emotiva hacia otra persona. En la analogía con el argumento del film, caritas corresponde a la novia viva, tímida y tranquila (Victoria) mientras que amor corresponde a la muerta, extrovertida y resplandeciente (Emily). La conclusión que se sacaba de todo esto, es que el amor solo es egoísta y comporta muerte, así que sólo puede redimirse incorporándose a caritas, el verdadero amor hacia el prójimo.

En esta raíz cristiana del argumento, también encontramos a otro escritor francés que anteriormente a Burton había utilizado el arquetipo de la novia cadáver. En este caso se trata de Théophile Gautier con su gótica historia llamada “Clarimonde, la muerta enamorada” (“Clarimonde, la morte amoureuse”) del año 1836. En esta corta historia, Romualdo está a punto de ser ordenado sacerdote y en la misma ceremonia es visitado por una mujer extremadamente bella que le suplica que no lleve a cabo su ordenación y se case con ella. Él intenta hacer caso a los ruegos de la mujer pero no puede complacerla y acaba ordenándose sacerdote. El primer encargo de Romualdo como sacerdote, será una ceremonia fúnebre para una gran dama que resultará ser Clarimonde. Al verla muerta en el ataúd, no puede evitar besarla a lo que Clarimonde despierta y le corresponde en el beso, y le anuncia que volverán a verse pronto. Durante los siguientes tres años, Clarimonde visitará cada noche a Romualdo y se lo llevará a Venecia para despertar cada mañana de nuevo en su parroquia. Así, no será capaz nunca de saber si todo lo que ocurre es realidad o sólo fruto sus sueños. El abad de la parroquia le revelará finalmente que Clarimonde es una vampira que sobrevive gracias a su sangre, pero esto no será suficiente para frenar el amor que siente Romualdo. El abad se verá obligado, pues, a abrir el ataúd de Clarimonde y verter agua bendita sobre ella, para comprobar cómo se reduce a polvo (ya que el agua bendita era una de las formas de acabar con los vampiros). Aun así, eso no destruirá a la vampira que rebelándose, anunciará a Romualdo que después de ese acto lo abandonaba para siempre. El relato termina con un viejo Romualdo agradecido por haber salvado su vida pero lamentándose por la separación de su amor.

Otra relación que podemos encontrar entre La novia cadáver y un cuento, se refiere al animal que hace de apertura y clausura de la película: la mariposa. En este caso, se hace alusión a un cuento popular en que una mujer que había sido brutamente asesinada, volvía a nacer como una mariposa.

Así, este elemento lo encontramos al inicio del film, donde Víctor aparece dibujando a una resplandeciente mariposa azul que tiene presa y que, una vez ha finalizado el dibujo, libera. También, como ya anunciaba, encontramos a este pequeño animal al final de la película, correspondiente a la escena en que Emily se desintegra convirtiéndose en un montón de mariposas iguales a la primera, que se esparcen al vuelo. De esta manera, al igual que en el cuento popular, Emily que ha sido brutalmente asesinada por Lord Barkis, renace convertida en un montón de mariposas.

Welcome to Americaland


Antes de analizar el contenido de la televisión, destaca un hecho que se desprende de la televisión en si: la saturación televisiva ante la que nos encontramos. Además de las “viejas conocidas” (TVE1, La2, Telecinco y Antena 3) ahora también contamos con las jóvenes cadenas ‘Cuatro’ y ‘La Sexta’. Por si no teníamos poco, se añade la TDT con emisiones en digital de las cadenas ya citadas más otras tantas nuevas cadenas.


En la variedad está el gusto, así que este hecho no tendría que provocar “saturación” si no “enriquecimiento”. El problema está en que no hay variedad. La televisión ha llegado a ser previsible, repetitiva e incluso aburrida. La culpa de ello la tienen la repetición hasta la saciedad de los mismos formatos en un principio triunfadores como los reality shows o los programas del corazón. Lo que en un principio era innovador, diferente y entretenido ha acabado por aburrir, como todo de lo que se abusa en esta vida.


Algunos nombres conocidos son Gran Hermano, Operación Triunfo, El Bus, La casa de tu vida, VIP, Hotel Glam, La Granja, Supervivientes, La isla de los famosos, Confianza ciega, etc. que edición tras edición han ido comprobando como bajaba la audiencia y disminuía el share. El último ejemplo es el de “unan1mous”, el programa de Antena3 en que los concursantes vivían en un búnker; que no duró más de tres semanas en parrilla, cuando se presentaba como un reality con un formato revolucionario.

Ante lo que parece el fin de los reality shows, la televisión española no tiene imaginación suficiente para salir adelante y como en muchos otros ámbitos de la vida, elije como mejor solución copiar lo que triunfa en otros países. ¿Y que país hay más triunfador -televisivamente hablando- que EE.UU.?


“Mira quién baila” está inspirado en Dancing with the stars. Con un formato más familiar y famosos hasta cierto punto queridos por los telespectadores, se pretende crear una relación de afinidad apelando a su dimensión afectiva. De hecho este programa lo consigue, lo que explica que vaya por su quinta edición y siga manteniendo su audiencia fiel. Quizá también influye la cadena, ya que TVE1 tiene una imagen de cadena seria, objetiva y oficial, no dada a la espectacularidad, sentimentalismo o morbo, como otras.

Otros formatos que triunfan en España y tienen una clara influencia de la televisión americana son los late shows. Encontramos dos en este caso: “Buenafuente” (de Antena 3) y “Noche Hache” (de Cuatro). Elementos como el monólogo de entrada, las entrevistas a un invitado desde un sofá, el repaso a las noticias de actualidad en clave de humor o el tipo de decorado, recuerdan claramente a The Daily show entremezclado con The Tonight Show with Jay Leno. Pero este hábito no es nuevo, ya que todo empezó hace doce años, en 1995, con el primer night show que tuvo boom en España. Estamos hablando de “Esta noche cruzamos el mississippi”, al que le han seguido otros como “Crónicas Marcianas”, “La sonrisa del pelícano” o “La noche con Fuentes y cía”.


Uno de los formatos que tradicionalmente siempre había funcionado en España, es el de los concursos (recuérdese “El juego de la oca”, “Un, dos, tres”, “Quién dijo miedo”, “La parodia nacional”, “El semáforo”, “Una para todos”, etc.) y que en la última década se encontraba en peligro de extinción por la ya antes comentada oleada de reality shows a la que nos hemos visto expuestos.

De aquel concurso familiar, con un presentador querido por la audiencia y cercano a la gente donde lo más importante no era la cantidad de millones que se ingresaba el ganador, si no pasárselo bien y entretener, sólo nos quedaba “El Grand Prix del verano” que emitió su última y undécima edición el verano de 2005.


Quizá la evolución al nuevo tipo de concursos que predomina hoy en día también vaya en relación a la evolución de la sociedad. Los valores han cambiado y algunos como el dinero, la fama o el físico, han alcanzado posiciones tan altas que en ciertos casos plantean incluso dudas morales.

Estas dudas florecen en dos de los concursos recientemente estrenados y que, en lo que sigue, paso a analizar: Money, Money” (de Cuatro) es una adaptación del americano Show me the money. Un concurso con el claro objetivo de ganar dinero combinado con una docena de bailarinas que interactúan con el concursante bailando en todo momento con una muy dudosa utilidad. Con este programa, Cuatro cae en la tentación de los programas fáciles, de espectacularidad y palabrería que le ha traído numerosas críticas de los telespectadores.
Por su parte, “Cambio radical” (de Antena 3) es la versión española de Extreme makeover. Ya tras la primera semana de concurso, ha conseguido levantar numerosos debates sobre la ética y la moral, puesto que en este concurso se hace primar al físico por encima de todo, considerando a las personas feas como desgraciados o inferiores y jugando con el bisturí como si de una varita mágica se tratase.

Este formato de concursos frívolos, calculadores y donde sólo prima el espectáculo, el dinero y el físico; tiene como ya hemos visto, su nacimiento en los Estados Unidos ya que la mayoría de ellos no son más que adaptaciones que títulos norteamericanos. Anteriormente ya habían pasado por nuestras pantallas otros concurso-espectáculo como “¿Quiere ser millonario?: 50x15” adaptado de Who wants to be a millonaire? (originalmente británico pero que vino a España avalado por su éxito en EEUU) o “El rival más débil” inspirado en Weakest Link. Con éste último, se empieza también la andadura por ese tipo de concursos que quieren humillar o desprestigiar al concursante públicamente. Aún así, en esta última línea aparece actualmente “Anónimos” (de La Sexta) donde personajes famosos son camuflados bajo una capa de látex y maquillaje para observar las distintas reacciones de sus conocidos (fans, productores, managers, familiares) al no reconocerlos.


Volviendo al tema del estudio, ya no sólo predomina la adaptación de programas americanos si no la creación de series nacionales que adquieren una atmósfera, una temática, una fotografía y un planteamiento que pretende “camuflarse” como americana. Ejemplos de ello son “Génesis, en la mente del asesino” de Cuatro, con una resolución de los casos y un desenlace muy propios de CSI o la recién estrenada “MIR” de Telecinco, a la cual ya todos los espectadores tachan de una burda copia de “Anatomía de Grey”.


Pero si el hecho de copiar me parece negativo, hay otro proceso que consigue mi visto bueno. Éste es el de la importación de series americanas, es decir, producción americana que simplemente es doblada a nuestra lengua. Este hecho me parece enriquecedor para nuestra televisión siempre y cuando se combine con una producción española creciente en calidad y experimentación. Es una realidad que la producción americana de series nos gana en cuanto a variedad, calidad, temática y ese “factor x” que hace que una serie enganche a millones de espectadores y la convierta en exitosa.

Por tanto vemos como las parrillas españolas se llenan en todas sus cadenas de series avaladas por su anterior éxito en EE.UU. Así en TVE1 pueden verse (o podían verse hasta hace poco) “Mujeres desesperadas”, “The O.C”, “Lost”, “Caso Abierto” o “Urgencias”. En Telecinco triunfan “C.S.I”, “Mentes criminales” y los clásicos “Embrujadas” o “Rex”. Antena 3 apuesta por “Los Simpson”, “Sin rastro” o “John Doe”. Y las dos cadenas que mayor partido sacan de este fenómeno de fidelización de la audiencia son por una parte Cuatro con títulos como “7 en el paraíso”, “Melrose Place”, “Queer as folk”, “Todo el mundo odia a Chris”, “Anatomía de Grey”, “Joey”, “Friends”, “House”, “Entre fantasmas”, “Twin Peaks” o “Médium”; y por otra parte La Sexta con “Bones”, “Los soprano”, “Bodies”, “Cómo conocí a vuestra madre”, “Me llamo Earl”, “Prison Break”, “Padre de Familia”, “Futurama”, “Navy”, “Profesores en Boston”, “The Unit”, “El mundo según Jim” o “El abogado”.


Claro que la vida se basa en contradicciones y mientras unos ven en éste hecho un enriquecimiento de la televisión nacional, otros dan el grito de alarma llegando a hablar de una “monotele” impuesta también por la creciente “monocultura” a la que se está llegando con el complejo fenómeno de la globalización. Y es que hay momentos en que la televisión española sólo se diferencia de la televisión americana en la lengua.


Personalmente sigo la primera línea. Puesto que la producción nacional de series me parece inferior en cuanto a calidad (las españolas son claramente más dadas al chiste fácil y a reírnos de nosotros mismos) no veo inconveniente en darnos el gusto de disfrutar de algunas obras maestras que salen del horno de América.

¡Oferta! Terrorismo a 2x1



Un hecho más o menos imprescindible para que una noticia salga por televisión es que se disponga de imágenes de ella. A partir de ahí, cuanto más explícitas y exclusivas, sean las imágenes, más trascendencia puede alcanzar la noticia. ¿Qué mejor, pues, que disponer de declaraciones directas a cámara de un asesino de 32 personas, momentos antes de cometer tal locura? Y, ¿qué más se puede pedir si esas imágenes las graba el mismo asesino y las manda a una cadena de televisión? Aquí algo ha cambiado en el esquema de la comunicación, ya que el mismo asesino se convierte en reportero de su propia noticia.

Se desata aquí el debate de si masacres como éstas existirían, si los medios de comunicación no hablaran de ellas. Si un suceso, no aparece en ningún medio de información, no es suceso, no ha existido. Por tanto, cabe plantearse si asesinos de esta talla o incluso terroristas, seguirían jugando con la vida humana si no se hablara de ellos en los medios de comunicación. Si al dejar de ser noticia y llegar a los oídos de todos, actividades de este talante perderían su sentido que, entre otras cosas, no es otro que el que se hable de ellos.